Фламандская Легенда > История создания > Аркадий Петров об опере "Фламандская легенда"

Аркадий Петров об опере "Фламандская легенда"

11-11-2014, 05:17. Разместил: superadm1n



В течение нескольких лет — приблизительно до 1970 года — «Поющие гитары» пользуются широкой популярностью, пока не оказалось, что рядом с ними появилось множество конкурентов — таких же ВИА. Вообще, ситуация успела измениться: слова «вокально-инструментальный ансамбль» уже никого не пугали, а напротив, действовали, как «Сезам, откройся!», заставляя сдаваться любого директора филармонии. Теперь ВИА появлялись как грибы после хорошего дождя — одни лучше, другие хуже, публика охотно шла на них, и вскоре «Поющие гитары» как-то затерялись в этой массе. И вдруг вдали появился свет — большая форма. Сюита, оратория, опера! Написанные языком современной эстрады, они давали ансамблю новую проблематику, позволяли углубить содержание, изменить масштаб. Так, в конце концов «Поющие гитары» пришли к своей первой опере.

С композитором Александром Журбиным Васильев был знаком и до «Орфея», но всего по одной песне. Это была песня «Осень 42-го» — баллада о войне и блокадном Ленинграде, и петь ее «обыкновенно» было нельзя — ее надо было театрализовать, и именно так и «поставили» ее «Поющие гитары». Познакомившись с Журбиным ближе, Васильев обнаружил в нем широко образованного музыканта, знатока классической и современной музыки, с большой симпатией относящегося к джазу, року, мюзиклам. Они сразу же находят общий язык в отношении будущей «песенной оперы». Дальше все развивалось стремительно: в марте 1974 года состоялась первая встреча Васильева и Журбина с либреттистом Юрием Димитриным, а летом следующего, 1975 года — премьера их оперы...

За три года «Орфей» выдержал около 500 представлений: под фонограмму оперы был подготовлен балет (в Пермском театре оперы и балета), «Орфей» был поставлен также за рубежом (в Чехословакии, в ГДР).

Трудно даже вообразить, насколько «Орфей» изменил лицо прежнего концертно-эстрадного коллектива. Постепенно «Поющие гитары» превратились в ВИА совсем нового типа — музыкально-театральный. Вот уже три года, как ансамбль перестал выступать с концертными программами, составленными из отдельных песен. С одной стороны, на них просто нет сил и времени. Но главное не в этом — изменилась концепция, изменилось понимание музыки. Исполнителям пришлось многое ломать в себе, преодолевая психологический барьер: им, музыкантам, пришлось стать актерами, работать на специальных станках, в костюмах, гриме, работать с режиссерами, требовавшими не просто петь, время от времени перемещаясь по сцене, но «играть роли», переживать, и это пережитое доносить до зрителя-слушателя. Далеко не все из музыкантов ансамбля выдержали этот искус, некоторые не смогли перестроиться и ушли. Сейчас из первого состава 1966 года осталось всего два человека: сам Анатолий Васильев и певец Александр Федоров. Большинство теперешних исполнителей пришли в ансамбль сравнительно недавно — два-три года тому назад.

Очень изменилась музыка. Вместо обычных песен в куплетной форме — сложная драматургия, большие, сквозного действия, сцены. Музыкантам-инструменталистам часто приходится играть «вместе» с фонограммой, на которой записан симфонический оркестр. Музыкальный язык «Орфея» и особенно новой оперы — «Фламандская легенда» («Тиль Уленшпигель») — сложен, а нем много современных гармоний и трудных ритмов. Все это совершенно необычно для среднего ВИА. Зато проблемы, возникшие перед ансамблем, стали во многом общими с проблемами современного оперного театра!

Чему научил опыт «Орфея»? Опера эта была поставлена одним-единственным составом, без дублеров. Ведь на обычном концерте дублеры не нужны — если человек заболел, его песни просто исключаются из программы. Но в случае оперного спектакля (а чем же иным был «Орфей»?) болезнь любого исполнителя приводила к срыву.
Сейчас в «Поющих гитарах» есть уже три Орфея, две Эвридики, два Харона и т. д. Артисты выступают «в очередь», но точной закрепленности партий нет, получаются различные комбинации, и это даже любопытно, так как ни один исполнитель не похож на другого.

Важным техническим условием постановки является то, что в «Поющих гитарах» называют «шнуровой режиссурой». На сцене девять переносных микрофонов со шнурами. Микрофонные стойки в спектаклях не используются (за исключением символической сцены «распятия Орфея микрофонами»). Значит, возникает проблема — не спутать провода. Когда режиссер ставит спектакль, он, разумеется, не думает ни о каких проводах; он фантазирует совершенно свободно. Но потом наступает этап «шнуровых репетиций»: каждый артист должен четко знать, с какой стороны обойти партнера, где оставить, или кому передать микрофон, или от кого его получить. Если здесь не добиться полной согласованности, то могут произойти неприятности. Идеальным выходом было бы, конечно, пользоваться радиомикрофонами вообще без проводов. Но их пока в ансамбле нет. Наконец, в «Поющих гитарах», совсем как в оперном театре, появилось разделение на амплуа: лирические, героические, характерные. Певцов теперь много: в «Орфее» их было семеро, в «Тиле» стало двенадцать. Инструменталистов в ансамбле девять человек: два гитариста, два ударника, исполнители на органе, рояле, трубе, тромбоне и саксофоне (флейта). В спектаклях используются также фонограммы, записанные симфоническим составом. Как видите, основной принцип бит-группы (певец — он же исполнитель на инструменте) нарушен. Певцы сделались актерами. В музыкальном театре это стало неизбежным.

В июле 1978 года состоялась премьера «Фламандской легенды» (музыка Ромуальда Гринблата, пьеса Юлия Михайлова и Юрия Димитрина, режиссер Станислав Илюхин). Будучи в известной мере продолжением «Орфея», «Тиль» стал для «Поющих гитар» совсем новым этапом освоения жанра, который в ансамбле с легкой руки драматурга Ю. Димитрина называют «рок-театром». От «Орфея» в новом спектакле сохранилось отношение к рок-опере не как к циклу песен, более или менее условно связанных сюжетом, а как к музыкальной пьесе, построенной по всем законам драматургии, с характерами персонажей, развивающимися в соответствии с внутренней логикой каждого образа. Ансамбль долго добивался такой динамичности спектакля.
Первый вариант оперы был готов еще к весне 1977 года, но эта первая редакция страдала статичностью, действие не вело к финальной кульминации — развязке спектакля. Поэтому основа оперы — пьеса — подверглась значительной переделке. Принцип «Поющих гитар» — в рок-опере существует два абсолютно равных компонента: музыка и драматургия. Прийти к нему для музыкантов, совершенно естественно всю жизнь считавших, что основное в любом спектакле — музыка, было нелегко. Но сейчас это «кредо» ансамбля. А вот как раз музыка в «Тиле» совершенно непохожа на музыку первой оперы «Поющих гитар». Музыкальный словарь «Орфея» основан на ритмо-интонациях широко бытующих, на языковом слое советской эстрады, советской песни, приемах вокально-инструментальных ансамблей и частично — стилизованных под Моцарта и Глюка «классических» интонациях. Язык «Тиля» близок скорее к современной камерной опере. В нем мало устойчивых «песенных» попевок, за исключением эпизодов, в которых герои исполняют по ходу действия именно песни. Но и в этих случаях элементарных решений нет — сложная ритмика, далекие сопоставления гармоний и т.д., зато много интонационного «обострения» — мелодических скачков, хроматизма, колких, угловатых мотивов. Уже Пролог спектакля сразу устанавливает «правила игры»: сладких, привычных уху оборотов не будет или будет очень мало, зато градус напряженности, экспрессия каждой сцены окажутся повышенными. И будет не только пение, но и полупение-полуговорок («парландо»), будут крики, и шепоты, будет искусный контрапункт множества голосов, «музыкальная гравюра» с изображением множества персонажей, гудящая, говорящая, бранящаяся, смеющаяся, плачущая или ликующая толпа, будет атмосфера босховских многофигурных композиций, будет неожиданно очень достоверная Фландрия XVI века, будет конфронтация сил света и сил тьмы, народа и его героев — с угнетателями, с испанским королем Филиппом и его подручными.

В «Тиле Уленшпигеле» нет лейтмотивов, но есть музыкальные «знаки» другого рода: лейтинтервалы, а иногда и лейт-тембры. Так, партия Неле отмечена часто повторяющимся октавным ходом и обилием «ползучих» хроматических оборотов. Это наиболее атональная партия спектакля. Ведущий интонационный «знак» Монаха — произнесение нараспев всех слов: буквой «н»: «Отщепеи-н-н-нцы, поган-н-н-нцы, двоежен-и-и-нцы!...» Этот шныряющий, подсматривающий и подслушивающий персонаж наделен «гнусавой» музыкальной характеристикой. Партия Рыбника обладает скользящими, глиссандирующими интонациями. У Испанского солдата характерный интервал — малая септима в маршевом ритме. В инструментальном сопровождении Короля Филиппа — холодное, жесткое звучание медных. Ну а Тиль — ведь это, как гласит сама его фамилия, Уленшпигель — «совиное зеркало». И он, передразнивая то одного, то другого, отражает их интонации (у Щедрина в опере «Мертвые души» Чичиков тоже не имеет своей музыкальной характеристики и интонационно «подделывается» под собеседников). Есть в спектакле также и своего рода «тембровая драматургия». Пролог и сцена ярмарки без сопровождения. Следующие сцены сопровождает ритмогруппа. В дальнейшем к ней присоединяются флейта и саксофон, затем группа духовых. В финале первого акта, в сцене казни Клааса, впервые появляются струнные, сонористически имтирующие пламя костра.
Во втором акте к ансамблю постепенно прибавляются различные инструменты симфонического оркестра, пока к финалу оперы не зазвучит полный симфонический состав с рок-группой «внутри». Не стоит пересказывать сюжет спектакля. Замечу лишь, что полностью изложить обширный роман Шарля де Костера в двухчасовом спектакле было, конечно, невозможно. Авторами пьесы использованы лишь некоторые сюжетные линии. Совершенно по-новому выглядят в спектакле два образа, имеющие в романе эпизодическое значение — Жиллина и Рыбник. Наконец, принц Оранский показан как холодный и жестокий политик, ни перед чем не останавливающийся для достижения своих целей.

Мы рассказали вам, по необходимости кратко, о 12-летней эволюции первого советского профессионального ВИА. О трудном поиске ансамбля, его победах и поражениях. Подытоживая, можно сказать одно: «Поющие гитары» — это творческий ансамбль, не побоявшийся окунуться в «иное измерение», стать первым стране постоянным театрализованным эстрадным ансамблем. За ними — основная заслуга в утверждении на советской сцене этого нового жанра.

---

Вернуться назад